Marcel Fiorini: Composition 70s/French Abstract Art Informel New School of Paris

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Artist:Marcel Fiorini
Signed:Signed
Title:Composition, 1970s
Period:Post-War (1940-1970)
Region of Origin:France
Framing:Unframed
Original/Licensed Reprint:Original
Subject:Composition
Type:Print
Listed By:Dealer or Reseller
Style:Abstract, Modern, Art Informel, New School of Paris
Theme:Art
Features:Signed, Limited Edition
Production Technique:Aquatint
Time Period Produced:1970-1979

eBay Marcel Fiorini 1922 Guelma, Algeria – 2008, Bois-le-Roi, France Composition, 1970s Original Hand-Signed Aquatint Artist Name: Marcel Fiorini Title: Composition Signature Description: Hand-signed in pencil lower right, Approved « E.A » lower left Technique: Aquatint Plate Size: 35 x 50 cm / 13.78″ x 19.69″ inch Sheet Size: 46 x 60 cm / 18.11″ x 23.62″ inch Frame: Unframed Condition: Very good condition Artist’s Biography: Marcel Fiorini (French, 1922-2008) Marcel Fiorini was born in 1922 in Guelma (Algeria). Very young, he starts painting et tries etching by using products from his father’s drugstore. He goes to the Fine Arts School in Alger (1940-1942). In 1947, his family settles in France. Painter of the new School of Paris, he is recognized for his etching works and for new processes in etching he develops such as « taillle-douce » on wood, linoleum and intaglio engraved plaster, while continuing a painter’s work. Fiorini is friend with Roger Chastel and Roger Bissière after whom he realizes -starting from 1952- etchings as well as for Bertholle, Tobey, Vieira da Silva or Jacques Villon. From 1948, he takes part in the Réalités Nouvelles Show, in the May show and to young contemporary etchers exhibitions. He teaches etching at the Higher National School of Fine Arts in Paris. Marcel Fiorini died in 2008 in Bois-le-Roi. Marcel Fiorini, born February 23, 1922 in Guelma (Algeria) and died January 16, 2008 (aged 85) in Bois-le-Roi (Seine-et-Marne), was a non-figurative painter and a French engraver of the new School of Paris particularly recognized for the new intaglio engraving processes on wood, linoleum or plaster that he developed and used from the 1950s. Biography In 1938, Marcel Francis Arthur Louis Fiorini began painting and experimenting with etching, using acids and products from his father’s pharmacy to make varnishes according to the recipes of an old pharmaceutical code. After studying until 1939 at the high school in Bône (Annaba) where he became friends with Marcel Bouqueton, he attended the School of Fine Arts in Algiers from 1940 to 1942 where he met Louis Nallard and Maria Manton. After marrying Françoise Antoni on October 12, 1941, the day of the twentieth birthday of his wife, a native of Gounod (Aïn Larbi), and having completed his military service from 1942 to 1945, he came with them to France in March 1947, his daughter Simone born in Bône (Annaba) on November 21. His hitherto figurative paintings (Woman with Knitting, around 1945; The Doctor’s Wife, 1949) evolved towards a simplification of forms, more allusive, which led them in the following years towards abstraction. Installed first in Thiverval in precarious conditions4, in 1948 in Saint-Germain-en-Laye then in Paris, Fiorini shares the friendship of Roger Chastel, who is busy making the engravings of the Bestiary of Paul Éluard, and of Roger Bissière for whom he made interpretation engravings from 1952, as well as for Jean Bertholle, Mark Tobey, Maria Elena Vieira da Silva, Jacques Villon. He also receives advice from Jean Fautrier. In 1949, he participated in the activities of the Graphies group, alongside notably Christine Boumeester, Roger Chastel, Pierre Courtin, Jean Fautrier, Albert Flocon, Henri Goetz, Raoul Ubac, Roger Vieillard and Gérard Vulliamy. In 1952 the Fénéon Prize was awarded to him. In 1953 he illustrated La Rose de Vérone, a poem by Jean Lescure whose text is included in Thirteen poems. According to the gouaches of Bissière Fiorini finished in 1954, after two years of work, to engrave the woodcuts in intaglio of the Song to our brother Sun by François d’Assise. For Jacques Villon he engraved the illustrations of Laus Veneris by Swinburne in 1956, Dents de lait, dents de loup by Henri Pichette in 1959, Adjournment by André du Bouchet in 1960. The engraved work directed by Nesto Jacometti publishes at from 1956 most of his prints. Fiorini took part in the Salon des Réalités Nouvelles from 1948, in the Salon de Mai from 1949 and that of Young Contemporary Engraving from 1956. He was represented in April 1950 at the exhibition of Painters in the review Soleil which organized the poet Jean Sénac on the occasion of the publication of the second issue of his review7 and participated in 1955 with Chastel, Maria Manton and Nallard in an exhibition organized by the gallery Le Portulan in Saint-Germain-en-Laye. Fiorini received the Félix Fénéon Prize for his painting in 1952, the Dôme Prize in 1954, the Menton Biennale Prize in 1955 and a Prize at the São Paulo Biennale for his engravings. At the Jeanne Bucher gallery he took part in group exhibitions in 1952 (with Nallard and Moser), in 1953 (with Chelimsky and for a collective exhibition), in 1954 (with Nallard, Moser, Chelimsky and Vielfaure). He presented individual exhibitions there in March 1959 of his paintings, in February 1964 of the engraved book Un Herbier des dunes and in December 1965-January 1966 of his Engravings for hours. Fiorini and Louttre.B exhibited there in October 1970 the Engravings for the wall, the widest of nearly three meters, which they had produced (six for Fiorini and five for Louttre.B) from 1969. Other exhibitions special events were organized in Paris (Galerie La Nouvelle Gravure, May 1963) and abroad, notably in Switzerland (Paintings and engravings, Galerie Mékisa, Lausanne, September-October 1962), in Germany (Galerie Smücking, Braunschweig, April 1961 and June 1965), in the United States (Retrospective exhibition, University of Kentucky, November-December 1965). Fiorini presents in Paris in October-November 1965 an exhibition of engravings with his friend Benanteur at the bookstore-gallery Le Fanal. He also participated in group exhibitions in France (notably Manifestation d’art contemporain in Sarlat in 1962; Painted Words at the Galerie Arditti in December 1962-January 1963; The fifteen prizes of the Dôme at the Galerie 9 in September and October 1966; Techniques traditional and contemporary engravings in Paris at the Musée d’art moderne de la ville de Paris in 1967; Engravings at the Françoise Ledoux gallery in April 1967; Watercolor and engravings at the Georges Bongers gallery in March 1969; Tribute to Georges- Emmanuel Clancier in Céret in July-September 1974; Mother Algeria, Colors of the South at the Museum of Gaja in 2003) and abroad, in Germany (Moderne französische Graphik: Lithographien, Holzschnitte, Radierungen, preface by Jean Cassou, Ferdinand Möller Gallery, Köln, 1955; Suermondt-Museum, Aachen, 1955; Französische Graphik, Nassauischer Kunstverein, Wiesbaden , 1961), and in Austria (Gallery Eugen Lendl, Graz, 1987). He was represented at the biennials of Venice (1966), Lugano, Vancouver (Vancouver international print, October 1967), São Paulo, Tokyo, Grenchen, Ljubljana (June-September 1961, June-September 1963, October 1967) and Krakow. From 1967, Fiorini created decorative objects in porcelain (decorated lights and vases for the Manufacture nationale de Sèvres as well as a series of twelve firebacks illustrating the signs of the Zodiac for the Fonderies de Cousances-les-Forges and engraving at the National School of Decorative Arts in Paris, rue d’Ulm. Fiorini died of cancer in 2008. His engravings were subsequently presented in the exhibitions École de Paris und Umkreis (Galerie Anja Rumig, Stuttgart, 2010) and Prêmios-aquisição da Bienal de São Paulo, 1951-1963 (Museu de Arte Contemporânea da Universidade de São Paulo, August 2012-July 2013). The engraved work The importance of Marcel Fiorini in the development of engraving in the second half of the 20th century is due to the new processes that he invented, wood, linoleum or plaster in intaglio, and to the richness of expression that they allowed. The two forms of traditional engraving The oldest way of engraving, used in the early days of the « incunabula » but practiced since antiquity for the decoration of fabrics, the realization of seals or card games, is the « relief engraving » or « thrift size », generally practiced on wood (“xylography”), which opened the way to the engraving of typographic characters. After inking, the « reserves », that is to say the hollows cut on the plate, reveal the whiteness of the paper when printed, while the flat areas, which remain in relief, of the spared and inked surfaces bring back the black. The process is simple but the possibilities of varying the values remain almost non-existent. “Intaglio” is the way of printing that is specific to the opposite process of “intaglio engraving”, inherited from the Italian goldsmiths of the Quattrocento. In this technique the « sizes », that is to say the hollows cut on the metal plate with a chisel, drypoint or by the processes of etching and aquatint (by etching with acids ), retain, after inking with a pad and wiping with muslin, the ink that the wet paper comes to drink, “laminated” under the very strong pressure of a roller press. In the tradition as in the revival of engraving that appeared from the 1930s, it is the metal used in intaglio that dominates, allowing all the subtleties in the animation of the line and the variety of values, the work in relief of the wood being marginalized. Intaglio woodcut and linocut Fiorini uses in his first engravings (Le Repos; Le Double, 1948) the aquatint, rather quickly in color, and is introduced to the work of a printer, the print being for him a moment as important as the act of engraving. Through a refined graphic design, the purely abstract surfaces that he assembled until 1949 in his Compositions and his Totemic Signs soon began to evoke, at the limit of allusion, the silhouettes of female nudes (Construction feminine I and II, 1948; Woman I, II, III and IV, The Couple, Adam and Eve, 1949; Maternity, 1950). They join those of familiar objects (Teapot, Le Déjeuner, Le Pot noir) then the color prints of Les Musiciens (1951). Through a similar abstraction and around the same themes Fiorini realizes from 1952 (Le Déjeuner noir et Oiseaux, 1952) the new synthesis, intaglio xylography, of the use of wood (in thin planks of pear plywood , oak, walnut or okoumé) and the intaglio printing technique. “I like wood, the material of wood. But I also tried this experiment because, mainly posing myself, even in engraving, the problem of the translation of light by a system of values, an essential problem for the painter, I thought of pursuing this search for values more easily in the wood than in hard metal. (…) the line engraved in the wood gives a velvety feel that the hardness of the metal does not naturally give”, confides Fiorini in 1953. Unlike relief engraving, it is values and not blanks that are dug into the wood, absorbing and restoring more or less ink to the paper depending on whether it is more or less varnished or polished. In the new process he developed, “the combinations of flat tints and hollows” of varying depth “allow a very wide variation in transparencies and opacities”. It is also possible for the engraver to plastically take advantage in his work of the marbling and textures of the fibers of the material. “The superiority of wood is again verified for color engraving”, he adds: “it is a perfect support for color. Not only are the chemical reactions caused by any non-steel metal avoided, but wood generally allows for a much purer tone than metal. « . Thus his intaglio woodcuts, first printed in black and white, opened up in 1952 to a wide chromatic diversity (Port-Pêcheur bleu-rouge, Le Pot noir et rouge, Le Déjeuner noir, 1952). Fiorini soon adapted, from 1953 (Le Damier; ‘La Théière) his linoleum technique (intaglio linocut) which, by its flexibility, multiplied the possibilities of incision and expression. Whereas in his generally vertical aquatints and woodcuts, the pared-down lines suggested still lifes and human figures, the horizontal space of his linocuts rather opens out onto a large series of non-figurative landscapes. A fully engraved book From 1952 to 1954 Fiorini composed eleven woodcuts in intaglio after gouaches by Roger Bissière, including the handwritten text, for the book Cantique à notre frères soleil by François d’Assise. The design of the book is carried out in such a way that the folding of the sheets occupies the gutter and not the back of the volume. Fiorini himself printed the 48 copies for the editions of the Jeanne Bucher gallery, which exhibited it in November-December 1954. In this way of adaptation engraving, he collaborated from 1956 to 1960 with Jacques Villon in the production of five other bibliophile books, by Swinburne, Robert Ganzo, Henri Pichette, André du Bouchet and Max Jacob. From 1959 he worked on the more personal project of the book Un Herbier des dunes, which represents a synthesis of his earlier innovations and is the source of his subsequent research. Its initial intention was to « bind together woodcuts and intaglio linocuts, printed in intaglio, and a poetic text integrated into the engraving, thus forming an uninterrupted sequence, an arabesque running from the beginning to the end of the book », which supposes « printing on both sides of the sheet in order to avoid the breaking of a blank page on the back of the engraving ». Fiorini presented this project to his friend the poet Jean Lescure « who became passionate and immediately specified the theme and the place: theme, the plant, of the sea and the earth, from the seaweed to the vine, passing through the species that both separate them and unite them”, writes Fiorini in the note accompanying the presentation of the book in 1964 at the Jeanne Bucher gallery. Over the course of two summers on the Île de Ré, « words and images » are formed at the same time. In October 1962 Fiorini completed the engraving of 20 plates, that is to say 40 pages, which incorporated the verses of Jean Lescure’s poem into their plastic composition, in which the free reminiscences of the forms or materials of the vegetation and non-figurative elements of the shoreline landscape. In the series of his engravings Fiorini also introduces a temporal dimension, the book developing in a general progression from darkness to the lights of daybreak. He then finds the means to carry out for each sheet of paper, avoiding embossing, the four passages under the press necessary for the double-sided printing of the images (on linoleum boards) and the text (on copper boards, also including part of the engraving). “The period of testing and development lasted until May 1963,” says Fiorini. The book, unique in the history of engraving, was exhibited at the Jeanne Bucher gallery in 1964 and the poem was included in the Drailles collection in 1968. Alongside his long production, Fiorini’s stays on the Île de Ré are at the origin of a major series of plates composed in the dimension of an abstract landscape (Île de Ré, Varech, Algues, Le Marais, Nacre, La Dune aux vignes, 1960; Les Salines, 1961) around the same “Atlantic” themes. Several works show his largely non-figurative attachment to that of the female nude (Baigneuse, 1960; Le grand nu, Petit nu, Nymphe, 1961; La Plage, 1962). Intaglio gypsography Beyond wood and linoleum Fiorini has been using plaster since 1963 (Empreinte, 1963), making it less brittle by adding plastic glues (vinyl, polyester) which give it a certain elasticity and allow all its possible manipulations. « The richness of use of such a material, which can build up, flow, mold or stamp when it is still fresh, and hollow, scratch, carve, when it is hard, n is limited only by the requirements of intaglio printing,” he notes. To this richness of the plaster, susceptible to all formal determinations, is added an unprecedented immediacy of expression in which any time of execution or any intermediary is eliminated. It is mainly in this process (« intaglio engraved plaster » or « intaglio gypsography ») that Fiorini made his engravings in 1964. « By using all the possibilities of expression, without transgressing its imperatives, one can imagine all sorts of means of establishing a hollow board », wrote in 1967 Fiorini to summarize his approach: « Our era rich in new material allows a wide variety of new techniques. They offer the artist possibilities from which the discrepancies between the specific expression of a means and his personal expression often ruled him out. Beyond the technique, only remains the visible trace of the presence of a man”. In 1964 he resumed his intention to introduce duration in his album Les Saisons which he produced from a single plate engraved on linoleum with plaster superstructures, printed eight times differently, the diversity of colors recreating for each time. of the year a light of the morning and another in the evening. Panoramic engravings In his Gravures pour les heures, exhibited at the Jeanne Bucher gallery in 1965, Fiorini pursues his project of integrating temporality in his works in another way. These eleven woodcuts, eight horizontal in the shape of a makimono and three vertical in the shape of a kakemono, a single board, underlines Guy Marester, being used for the color printing, are for the most part more than two meters long, and never the history of engraving has known prints of such exceptional dimensions, which « were, in truth, not practical if, once again, Fiorini had not imagined and produced processes allowing the standards to be exceeded, both in paper formats as well as for going to press », underlines Roger Van Gindertael2. In the distance specific to engraving, which draws the gaze to itself even in the detail of its material, it is necessary to perceive these works to browse them over time and not in a single glance. It is thus a kind of visual journey among the landscapes of a now more allusive non-figuration that they offer, Fiorini tackling beyond all the themes that the temporal dimension allows him to suggest, from a tribute to La Wave from Hokusai to allusive processions of King René or Gens du voyage. As in his previous album, Fiorini presents several of his plates in different prints that evoke the essential ranges of light throughout the day and the year, some of them recreating from edge to edge the succession by imperceptible passages. With these new achievements, we must place Fiorini « among the best engravers of his generation », judge Georges Boudaille, consider him as « one of the most striking, most inventive engravers of his generation ». The engravings made by Fiorini from 1965 (Le Tournoi, 1965; Le Roy deflag, La Reine deflag, Le Valet deflag, Le Cavalier deflag, L’Oiseleur, La Demoiselle à la unicorn 1969) continue, under a medieval climate, a similar journey. Engravings for the wall The monumental character of the engravings for the hours is accentuated in the eleven engravings for the wall, six engraved on wood by Fiorini and five by Louttre.B, which the two painter-engravers presented in 1970 at the Jeanne Bucher gallery. “It is simple to make engravings of two meters by three. No difficulty, except that nothing exists at these dimensions: neither equipment, nor materials. However, by the scale of his work and by the richness of his material, the hollow engraved wood calls for the wall », they wrote at the time, summarizing how it had been necessary for them to build a sufficiently large press for printing and to develop sheets of paper to the necessary dimensions: “Two pipeline pipes, a few lengths of U-shaped iron provide the elements of a press. At the end of the summer, the village blacksmith turns the pebbles which will now replace the ball bearings that constantly burst under excessive pressure. The sheet of paper being too fragile on a large scale, the solution consisted in sticking it on a resistant fabric. « . Half a day of gluing and another of printing are then necessary for the printing of each sheet. “These are monumental engravings, for the first time in the dimensions of a tapestry. (…) The very language of engraving receives an extension, experiences a decisive liberation. Where painting goes, engraving can go: it is not reduced to what, in modest dimensions, black and white can grasp. The engraving can say everything that the painting says, if it says otherwise. » analyzes Gaëtan Picon in his preface. Subsequently combining techniques and processes, aquatint, woodcut, gypsography and heliogravure, Fiorini produced works in a more figurative dimension that resembled the intention of collage (A flower for Albertine; Landscape with olives) and renewed his approach to the nude (Angélique, Virginie, 1970; Woman with a candle, Tribute to femininity). Through his use of new materials and his novel developments in the mural field, Fiorini’s work thus appears, alongside those of Jean Fautrier or Raoul Ubac, Johnny Friedlaender, Stanley Hayter, Henri-Georges Adam, Roger Vieillard or Pierre Courtin, among the most significant of the mutation which freed engraving from any subordination to drawing or painting and, having committed it to the recognition of its specific means, ensured the complete autonomy of its expression. “If a large number of artists today do engraving, rather incidentally and with more or less success, very few of them really deserve the name of engraver. Marcel Fiorini, both aesthetically and technically, is one of the rare master engravers of the new French School. (…) It is a desire for personal expression in the order of the most current aesthetic concerns that has precisely oriented all his research and provoked all his material innovations. summarizes Roger van Gindertael. The painted work The exhibition of Fiorini’s paintings at the Jeanne Bucher gallery in 1959 was the subject of several analyzes in the art journals of the time. “Fiorini felt the need to reconnect with reality and the shows that inspired him shine through almost all of his compositions. But now nature is transposed to visible ends, the most obvious of which is the plastic transcription of an authentic and spontaneous visual emotion”, observes Georges Boudaille in Cimaise. « If the geometric planes are always found, the lines are lost in transparent layers which give each of his paintings a strange and endearing poetic atmosphere. Its sober colors are subtly nuanced and each range gives rise to melodious variations: silvery or bluish grays, dark or golden browns, powerful and luminous yellows”, notes Daniel Cordier in the notebooks of the Pocket Museum. “Fiorini, in fact, is not only an engraver, he is also a painter of quality and for him the two modes of expression are inextricably linked. They constantly impact on each other. Hence the very personal character of this engraved work where the orthodox means are not always respected, where invention and freedom constantly reign, where new means such as the hollow attack of the wooden plate give unexpected results. wrote two years later Roger Bissière. Parallel to his creation in the field of engraving, Marcel Fiorini never stopped painting. “Although he made himself known above all for the originality of his engravings and for his technical inventions in this field, Fiorini belongs to the same small group of painters [Louis Nallard, Maria Manton and Marcel Bouqueton] with whom he presents obvious affinities, as much by the decided animation of his pictorial material as by the earthly foundation of his inspiration; until now the spatial arrangement of his « landscapes » has remained described with great fidelity to the impression received from reality, whose pictorial transfiguration is nevertheless accomplished by the annihilation of detail in the plastic unity of the composition », writes thus Roger Van Gindertael. Fiorini’s writings and interviews • Roger Van Gindertael, A new wood engraving technique, proposed by Fiorini, in Actualité Artistique Internationale, Paris, June 6, 1953 • A Dune Herbarium, Galerie Jeanne Bucher, Paris, 1964 • [Intaglio engraving on wood, linoleum or plaster], in Fiorini, University of Kentucky art gallery, [retrospective exhibition], 1965. • Tribute to Bissière, Young contemporary engraving, 1965-1966 • Fiorini, in Traditional and Contemporary Techniques of Intaglio Engraving, Museum of Modern Art of the City of Paris, 1967 • Zodiac firebacks by Fiorini, Foundries of Cousances-les-Forges. Public collections France Dijon, Dijon Museum of Fine Arts Limoges, Limoges Museum of Fine Arts Nantes, Nantes Museum of Fine Arts Paris, National Library of France Paris, National Center for Plastic Arts Paris, Chalcography of the Louvre Paris, Municipal Contemporary Art Fund of the City of Paris (Ivry-sur-Seine) Paris, National Institute of Art History Rouen, Libraries of Rouen Sèvres, Sèvres – National Manufacture and Museum Tergnier, Aisne art library Villeneuve-sur-Lot, Gajac Museum Vitry-sur-Seine, Museum of Contemporary Art of Val-de-Marne Brazil Museum of Contemporary Art of the University of São Paulo Canada National Museum of Fine Arts of Quebec, Quebec National Gallery of Canada, Ottawa United States Art Institute of Chicago Detroit Institute of Arts Rahr-West Art Museum Mildred Lane Kemper Museum, Washington University in Saint Louis Finland Kiasma, Helsinki New Zealand Auckland Art Museum The Netherlands Rijksmuseum Amsterdam Slovenia Center of Graphic Arts, Ljubljana, Slovenia Sweden Moderna Museet, Stockholm, Sweden Marcel Fiorini, né le 23 février 1922 à Guelma (Algérie) et mort le 16 janvier 2008 (à 85 ans) à Bois-le-Roi (Seine-et-Marne), est un peintre non figuratif et un graveur français de la nouvelle École de Paris particulièrement reconnu pour les nouveaux procédés de gravure en taille-douce sur bois, linoleum ou plâtre qu’il a mis au point et utilisés à partir des années 1950. Biographie Marcel Francis Arthur Louis Fiorini commence en 1938 à peindre et à faire des essais de gravure en utilisant les acides et les produits de la pharmacie de son père pour fabriquer des vernis selon les recettes d’un ancien code pharmaceutique. Après des études jusqu’en 1939 au lycée de Bône (Annaba) où il se lie avec Marcel Bouqueton, il fréquente de 1940 à 1942 l’École des beaux-arts d’Alger où il rencontre Louis Nallard et Maria Manton. Après s’être marié avec Françoise Antoni le 12 octobre 1941, jour du vingtième anniversaire de sa femme, native de Gounod (Aïn Larbi), et effectué son service militaire de 1942 à 1945, il vient avec eux en France en mars 1947, sa fille Simone naissant à Bône (Annaba) le 21 novembre. Ses peintures jusqu’alors figuratives ( Femme au tricot, vers 1945; La femme du docteur, 1949) évoluent vers une simplification des formes, plus allusives, qui les mènent dans les années suivantes vers l’abstraction. Installé d’abord à Thiverval dans des conditions précaires4, en 1948 à Saint-Germain-en-Laye puis à Paris, Fiorini partage l’amitié de Roger Chastel, qui est occupé à la réalisation des gravures du Bestiaire de Paul Éluard, et de Roger Bissière pour qui il réalise à partir de 1952 des gravures d’interprétation, ainsi que pour Jean Bertholle, Mark Tobey, Maria Elena Vieira da Silva, Jacques Villon. Il reçoit également les conseils de Jean Fautrier. Il participe en 1949 aux activités du groupe Graphies, aux côtés notamment de Christine Boumeester, Roger Chastel, Pierre Courtin, Jean Fautrier, Albert Flocon, Henri Goetz, Raoul Ubac, Roger Vieillard et Gérard Vulliamy. En 1952 le Prix Fénéon lui est attribué. En 1953 il illustre La Rose de Vérone, poème de Jean Lescure dont le texte est repris dans Treize poèmes. D’après les gouaches de Bissière Fiorini achève en 1954, après deux ans de travail2, de graver les bois en taille-douce du Cantique à notre frère Soleil de François d’Assise. Pour Jacques Villon il grave les illustrations de Laus Veneris de Swinburne en 1956, de Dents de lait, dents de loup de Henri Pichette en 1959, d’Ajournement d’André du Bouchet en 1960. L’Œuvre gravée dirigée par Nesto Jacometti édite à partir de 1956 la plupart de ses gravures. Fiorini participe au Salon des Réalités Nouvelles à partir de 1948, au Salon de Mai à partir de 1949 et à celui de la Jeune Gravure contemporaine à partir de 1956. Il est représenté en avril 1950 à l’exposition des Peintres de la revue Soleil qu’organise le poète Jean Sénac à l’occasion de la parution du deuxième numéro de sa revue7 et participe en 1955 avec Chastel, Maria Manton et Nallard à une exposition organisée par la galerie Le Portulan à Saint-Germain-en-Laye. Fiorini reçoit pour sa peinture en 1952 le prix Félix Fénéon, en 1954 le prix du Dôme, en 1955 le prix de la Biennale de Menton et pour ses gravures un Prix à la Biennale de São Paulo. À la galerie Jeanne Bucher il participe à des expositions de groupe en 1952 (avec Nallard et Moser), en 1953 (avec Chelimsky et pour un accrochage collectif), en 1954 (avec Nallard, Moser, Chelimsky et Vielfaure). Il y présente des expositions individuelles en mars 1959 de ses peintures, en février 1964 du livre gravé Un Herbier des dunes et en décembre 1965-janvier 1966 de ses Gravures pour les heures. Fiorini et Louttre.B y exposent en octobre 1970 les Gravures pour le mur, les plus larges de près de trois mètres, qu’ils ont réalisées (six pour Fiorini et cinq pour Louttre.B) à partir de 1969. D’autres expositions particulières sont organisées à Paris (Galerie La Nouvelle Gravure, mai 1963) et à l’étranger, notamment en Suisse (Peintures et gravures, Galerie Mékisa, Lausanne, septembre-octobre 1962), en Allemagne (Galerie Smücking, Braunschweig, avril 1961 et juin 1965), aux États-Unis (Exposition rétrospective, Université de Kentucky, novembre-décembre 1965). Fiorini présente à Paris en octobre-novembre 1965 une exposition de gravures avec son ami Benanteur à la librairie-galerie Le Fanal. Il participe également à des expositions collectives en France (notamment Manifestation d’art contemporain à Sarlat en 1962; Paroles peintes à la Galerie Arditti en décembre 1962-janvier 1963; Les quinze prix du Dôme à la galerie 9 en septembre et octobre 1966; Techniques traditionnelles et contemporaines de la gravure en creux à Paris au Musée d’art moderne de la ville de Paris en 1967; Gravures à la galerie Françoise Ledoux en avril 1967; Aquarelle et gravures à la galerie Georges Bongers en mars 1969; Hommage à Georges-Emmanuel Clancier à Céret en juillet-septembre 1974; Mère Algérie, Couleurs du Sud au Musée de Gajac en 2003) et à l’étranger, en Allemagne (Moderne französische Graphik: Lithographien, Holzschnitte, Radierungen, préface de Jean Cassou, galerie Ferdinand Möller, Köln, 1955; Suermondt-Museum, Aachen, 1955; Französische Graphik, Nassauischer Kunstverein, Wiesbaden, 1961), et en Autriche (Galerie Eugen Lendl, Graz, 1987). Il est représenté aux biennales de Venise (1966), Lugano, Vancouver (Vancouver print international, octobre 1967), São Paulo, Tokyo, Grenchen, Ljubljana (juin-septembre 1961, juin-septembre 1963, octobre 1967) et Cracovie. Fiorini crée à partir de 1967 des objets de décor en porcelaine (décors de luminaires et vases pour la Manufacture nationale de Sèvres ainsi qu’une série de douze plaques de cheminée illustrant les signes du Zodiaque pour les Fonderies de Cousances-les-Forges et enseigne la gravure à l’École nationale supérieure des arts décoratifs de Paris, rue d’Ulm. Fiorini meurt d’un cancer en 2008. Ses gravures ont été présentées par la suite dans les expositions École de Paris und Umkreis (Galerie Anja Rumig, Stuttgart, 2010) et Prêmios-aquisição da Bienal de São Paulo, 1951-1963 (Museu de Arte Contemporânea da Universidade de São Paulo, août 2012-juillet 2013). L’œuvre gravé L’importance de Marcel Fiorini dans les développements de la gravure dans la seconde moitié du xxe siècle tient aux procédés nouveaux qu’il invente, bois, linoléum ou plâtre en taille douce, et à la richesse d’expression qu’ils permettent. Les deux formes de la gravure traditionnelle La plus ancienne façon de graver, utilisée aux premiers temps des « incunables » mais pratiquée depuis l’antiquité pour la décoration des tissus, la réalisation des sceaux ou des jeux de cartes, est la « gravure en relief » ou « taille d’épargne », pratiquée en général sur bois (« xylographie »), qui ouvrit la voie à la gravure des caractères typographiques. Après encrage les « réserves », c’est-à-dire les creux entaillés sur la plaque, laissent apparaître au tirage la blancheur du papier tandis que les aplats, demeurés en relief, des surfaces épargnées et encrées y reportent le noir. Le procédé est simple mais les possibilités de varier les valeurs demeurent quasi inexistantes. La « taille-douce » est la manière d’imprimer qui est propre au procédé contraire de la « gravure en creux », héritée des orfèvres italiens du Quattrocento. Dans cette technique les « tailles », c’est-à-dire les creux entaillés sur la plaque métallique au burin, à la pointe-sèche ou par les procédés de l’eau-forte et de l’aquatinte (par morsure aux acides), retiennent, après l’encrage au tampon et l’essuyage à la mousseline, l’encre que le papier mouillé vient boire, « laminé » sous la très forte pression d’une presse à rouleaux. Dans la tradition comme dans le renouveau de la gravure apparu à partir des années 1930 c’est le métal utilisé en taille-douce qui domine, permettant toutes les subtilités dans l’animation du trait et la variété des valeurs, le travail en relief du bois se trouvant marginalisé. Xylographie et linogravure en taille-douce Fiorini utilise dans ses premières gravures (Le Repos ; Le Double, 1948) l’aquatinte, assez rapidement en couleur, et s’initie au travail d’imprimeur, le tirage étant pour lui un moment aussi important que l’acte de graver. À travers un graphisme épuré les surfaces purement abstraites qu’il assemble jusqu’en 1949 dans ses Compositions et ses Signes totémiques commencent bientôt d’évoquer, à la limite de l’allusion, les silhouettes de nus féminins (Construction féminine I et II, 1948 ; Femme I, II, III et IV, Le Couple, Adam et Ève, 1949 ; Maternité, 1950). Les rejoignent celles des objets familiers (Théière, Le Déjeuner, Le Pot noir) puis des tirages en couleurs des Musiciens (1951). À travers une semblable abstraction et autour des mêmes thèmes Fiorini réalise à partir de 1952 (Le Déjeuner noir et Oiseaux, 1952) la synthèse nouvelle, la xylographie en taille-douce, de l’utilisation du bois (en minces planches de contreplaqué de poirier, chêne, noyer ou okoumé) et de la technique d’impression de la taille douce. « J’aime le bois, la matière du bois. Mais j’ai tenté cette expérience aussi parce que, me posant principalement, même dans la gravure, le problème de la traduction de la lumière par un système de valeurs, problème essentiel du peintre, je pensais poursuivre plus aisément cette recherche de valeurs dans le bois que dans le dur métal. (…) le trait gravé dans le bois rend un velouté que la dureté du métal ne donne pas naturellement », confie Fiorini en 1953. À l’inverse de la gravure en relief ce sont des valeurs et non des blancs qui sont creusées dans le bois, absorbant et restituant sur le papier plus ou moins d’encre selon qu’il est plus ou moins verni ou poli. Dans le procédé nouveau qu’il met au point, « les combinaisons d’aplats et de creux » plus ou moins profonds « permettent une variation très grande des transparences et des opacités ». Il est par ailleurs possible au graveur de tirer plastiquement parti dans son travail des marbrures et textures des fibres du matériau. « La supériorité du bois se vérifie encore pour la gravure en couleur », ajoute-t-il : « il est un support parfait de la couleur. Non seulement sont évitées les réactions chimiques provoquées par tout métal non aciéré, mais le bois permet généralement un ton beaucoup plus pur que le métal. ». Ainsi ses xylographies en taille-douce, d’abord imprimées en noir et blanc, s’ouvrent-elles dès 1952 à une large diversité chromatique (Port-Pêcheur bleu-rouge, Le Pot noir et rouge, Le Déjeuner noir, 1952). Fiorini adapte bientôt, à partir de 1953 (Le Damier ; ‘La Théière) sa technique au linoléum (linogravure en taille-douce) qui, par sa souplesse, multiplie les possibilités d’incision et d’expression. Alors que dans ses aquatintes et ses gravures sur bois, généralement verticales, les tracés épurés suggéraient natures mortes et figures humaines, l’espace horizontal de ses linogravures s’ouvre plutôt sur une large série de paysages non figuratifs. Un livre entièrement gravé De 1952 à 1954 Fiorini compose pour le livre Cantique à notre frère soleil de François d’Assise onze bois gravés en taille-douce d’après des gouaches de Roger Bissière incluant le texte manuscrit. La conception de l’ouvrage est réalisée de telle sorte que la pliure des feuillets occupe la gouttière et non le dos du volume. Fiorini en imprime lui-même les 48 exemplaires pour les éditions de la galerie Jeanne Bucher, qui l’expose en novembre-décembre 1954. Dans cette voie de la gravure d’adaptation il collabore de 1956 à 1960 avec Jacques Villon à la réalisation de cinq autres livres de bibliophilie, de Swinburne, Robert Ganzo, Henri Pichette, André du Bouchet et Max Jacob. À partir de 1959 il travaille au projet plus personnel du livre Un Herbier des dunes, qui représente une synthèse de ses innovations antérieures et est à l’origine de ses recherches ultérieures. Son intention initiale est de « lier ensemble des bois et des linos en creux, imprimés en taille douce, et un texte poétique intégré à la gravure, formant ainsi une suite ininterrompue, une arabesque allant du début à la fin du livre », ce qui suppose « l’impression sur les deux faces de la feuille afin d’éviter la rupture d’une page blanche au dos de la gravure ». Fiorini expose ce projet à son ami le poète Jean Lescure « qui se passionne et immédiatement précise le thème et le lieu : thème, le végétal, de la mer et de la terre, de l’algue à la vigne en passant par les espèces qui à la fois les séparent et les réunissent », écrit Fiorini dans la notice accompagnant la présentation du livre en 1964 à la galerie Jeanne Bucher. Au long de deux étés à l’Île de Ré se forment en même temps « les mots et les images ». En octobre 1962 Fiorini achève de graver ainsi 20 planches, c’est-à-dire 40 pages, qui intègrent les vers du poème de Jean Lescure dans leur composition plastique où s’inscrivent à la fois les libres réminiscences des formes ou des matières du végétal et des éléments non-figuratifs du paysage des rivages. Dans la suite de ses gravures Fiorini introduit de plus une dimension temporelle, le livre se développant dans une progression générale de l’obscur vers les lumières du lever du jour. Il trouve ensuite les moyens d’effectuer pour chaque feuille de papier, en évitant le gaufrage, les quatre passages sous la presse nécessaires à l’impression recto-verso des images (sur planches de linoléum) et du texte (sur planches de cuivre, comportant aussi une partie de la gravure). « La période des essais et de la mise au point a duré jusqu’en mai 1963 », confie Fiorini. Le livre, unique dans l’histoire de la gravure, est exposé à la galerie Jeanne Bucher en 1964 et le poème sera repris dans le recueil Drailles en 1968. Parallèlement à sa longue réalisation les séjours de Fiorini à l’Île de Ré sont à l’origine d’une suite majeure de planches composées dans la dimension d’un paysagisme abstrait (Île de Ré, Varech, Algues, Le Marais, Nacre, La Dune aux vignes, 1960; Les Salines, 1961) autour des mêmes thèmes « atlantiques ». Plusieurs œuvres manifestent son attachement largement non-figuratif à celui du nu féminin (Baigneuse, 1960; Le grand nu, Petit nu, Nymphe, 1961; La Plage, 1962). Gypsographie en taille-douce Au-delà du bois et du linoleum Fiorini utilise à partir de 1963 (Empreinte, 1963) le plâtre, en le rendant moins brisant par l’adjonction de colles plastiques (vinyle, polyester) qui lui donnent une certaine élasticité et en permettent tous les maniements possibles. « La richesse d’utilisation d’un tel matériau, qui peut se maçonner, se couler, se mouler ou s’estamper lorsqu’il est encore frais, et se creuser, se gratter, se tailler, lorsqu’il est dur, n’est limitée que par les seules exigences de l’impression en taille-douce », note-t-il. À cette richesse du plâtre, susceptible de toutes les déterminations formelles, s’ajoute une immédiateté inédite de l’expression en laquelle se trouve supprimé tout temps d’exécution ou tout intermédiaire. C’est principalement dans ce procédé (« plâtre gravé en taille douce » ou « gypsographie en taille-douce ») que Fiorini réalise ses gravures en 1964. « En utilisant toutes les possibilités de l’expression, sans en transgresser les impératifs, on peut imaginer toutes sortes de moyens d’établir une planche en creux », écrit en 1967 Fiorini pour résumer sa démarche : « Notre époque riche en matériau nouveaux permet une grande diversité de techniques nouvelles. Elles offrent à l’artiste des possibilités dont l’écartaient souvent les divergences entre l’expression spécifique d’un moyen et son expression personnelle. Par-delà la technique, seule reste la trace visible de la présence d’un homme ». En 1964 il reprend son intention d’introduire la durée dans son album Les Saisons qu’il réalise à partir d’une seule planche gravée sur linoléum avec des superstructures de plâtre, imprimée huit fois différemment, la diversité des couleurs recréant pour chacun des temps de l’année une lumière du matin et une autre du soir. Gravures panoramiques Dans ses Gravures pour les heures, exposées à la galerie Jeanne Bucher en 1965, Fiorini poursuit d’une autre façon son projet d’intégrer dans ses œuvres la temporalité. Ces onze gravures sur bois, huit horizontales en forme de makimono et trois verticales en forme de kakémono, une seule planche, souligne Guy Marester, étant utilisée pour le tirage des couleurs, ont pour la plupart plus de deux mètres, et jamais l’histoire de la gravure n’a connu d’estampes de dimensions aussi exceptionnelles, qui « n’étaient, en vérité, pas praticables si, encore une fois, Fiorini n’avait imaginé et réalisé des procédés permettant de dépasser les normes, aussi bien dans les formats de papier que pour le passage sous presse », souligne Roger Van Gindertael2. Dans la distance propre à la gravure, qui attire à soi le regard jusque dans le détail de sa matière, il faut pour percevoir ces œuvres les parcourir dans la durée et non d’un seul regard. C’est ainsi une sorte de voyage visuel parmi les paysages d’une non-figuration désormais plus allusive qu’elles proposent, Fiorini abordant au-delà l’ensemble des thèmes que la dimension temporelle lui permet de suggérer, depuis un hommage à La Vague d’Hokusai jusqu’aux cortèges allusifs du Roi René ou des Gens du voyage. Comme dans son album antérieur, Fiorini présente plusieurs de ses planches selon des tirages différents qui évoquent les gammes essentielles de la lumière au long du jour et de l’année, certaines d’entre elles en recréant d’un bord à l’autre la succession par d’insensibles passages. Avec ces nouvelles réalisations, il faut placer Fiorini « parmi les meilleurs graveurs de sa génération », juge Georges Boudaille, le considérer comme « l’un des graveurs le plus marquants, les plus inventifs de sa génération ». Les gravures que réalise Fiorini à partir de 1965 (Le Tournoi, 1965; Le Roy de drapeau, La Reine de drapeau, Le Valet de drapeau, Le Cavalier de drapeau, L’Oiseleur, La Demoiselle à la licorne 1969) poursuivent, sous un climat médiéval, un semblable cheminement. Gravures pour le mur Le caractère monumental des Gravures pour les heures se trouve accentué dans les onze Gravures pour le mur, six gravées sur bois par Fiorini et cinq par Louttre.B, que les deux peintres-graveurs présentent en 1970 à la galerie Jeanne Bucher. « Il est simple de faire des gravures de deux mètres sur trois. Aucune difficulté, si ce n’est que rien n’existe à ces dimensions : ni matériel, ni matériaux. Pourtant, par l’ampleur de son travail et par la richesse de sa matière, le bois gravé en creux appelle le mur », écrivent-ils alors, résumant comment il leur avait été nécessaire de construire pour le tirage une presse suffisamment large et de mettre au point des feuilles de papier aux dimensions nécessaires : « Deux tuyaux de pipe-line, quelques longueurs de fer en U fournissent les éléments d’une presse. À la fin de l’été, le forgeron du village tourne les galets qui vont remplacer désormais les roulements à bille éclatant sans cesse sous la pression trop forte. La feuille de papier étant trop fragile à grande dimension, la solution consistait à la coller sur un tissu résistant. ». Une demi-journée d’encollage et une autre de tirage sont ensuite nécessaires pour l’impression de chaque feuille. « Ce sont là gravures monumentales, pour la première fois aux dimensions d’une tapisserie. (…) Le langage même de la gravure reçoit une extension, connaît une libération décisive. Où la peinture va, la gravure peut aller : elle n’est pas réduite à ce que, dans des dimensions modestes, le noir et le blanc peuvent saisir. La gravure peut dire tout ce que dit la peinture, si elle dit autrement. » analyse dans sa préface Gaëtan Picon. Mêlant par la suite techniques et procédés, aquatinte, gravure sur bois, gypsographie et héliogravure, Fiorini réalise dans une dimension plus figurative des œuvres qui s’apparentent à l’intention du collage (Une fleur pour Albertine; Paysage aux olives) et renouvellent son approche du Nu (Angélique, Virginie, 1970; Femme à la bougie, Hommage à la féminité). À travers son utilisation de nouveaux matériaux et ses développement inédits dans le champ mural l’œuvre de Fiorini apparaît ainsi, auprès de celles de Jean Fautrier ou Raoul Ubac, Johnny Friedlaender, Stanley Hayter, Henri-Georges Adam, Roger Vieillard ou Pierre Courtin, parmi les plus significatives de la mutation qui a libéré la gravure de toute subordination au dessin ou à la peinture et, l’ayant engagée dans la reconnaissance de ses moyens spécifiques, a assuré l’entière l’autonomie de son expression. « Si un grand nombre d’artistes font, aujourd’hui, de la gravure, plutôt accessoirement et avec plus ou moins de réussite, très peu d’entre eux méritent vraiment le nom de graveur. Marcel Fiorini, lui, sur le plan esthétique comme dans le domaine de la technique, est un des rares maîtres graveurs de la nouvelle École française. (…) C’est une volonté d’expression personnelle dans l’ordre des préoccupations esthétiques les plus actuelles qui a précisément orienté toutes ses recherches et provoqué toutes ses innovations matérielles. », résume Roger van Gindertael. L’œuvre peint L’atelier de Marcel Fiorini, Rue Frémicourt à Paris, vers 1966 L’exposition des peintures de Fiorini à la galerie Jeanne Bucher en 1959 fait l’objet de plusieurs analyses dans les revues d’art de l’époque. « Fiorini a éprouvé le besoin de reprendre contact avec le réel et les spectacles qui l’ont inspiré transparaissent à travers presque toutes ses compositions. Mais désormais la nature est transposée à des fins visibles, dont la plus évidente est la transcription plastique d’une émotion visuelle authentique et spontanée », observe Georges Boudaille dans Cimaise. « Si les plans géométriques se retrouvent toujours, les lignes se perdent dans des couches transparentes qui donnent à chacune de ses toiles une étrange et attachante atmosphère poétique. Ses couleurs sobres sont subtilement nuancées et chaque gamme donne lieu à des variations mélodieuses : gris argentés ou bleutés, bruns sombres ou dorés, jaunes puissants et lumineux », note Daniel Cordier dans les cahiers du Musée de poche. « Fiorini, en effet, n’est pas seulement un graveur, il est aussi un peintre de qualité et pour lui les deux modes d’expression sont indissolublement liés. Ils retentissement constamment l’un sur l’autre. De là le caractère si personnel de cette œuvre gravée où les moyens orthodoxes ne sont pas toujours respectés, où l’invention et la liberté règnent constamment, où les moyens nouveaux comme l’attaque en creux de la plaque de bois donnent des résultats inattendus. », écrit deux ans plus tard Roger Bissière. Parallèlement à sa création dans le domaine de la gravure, Marcel Fiorini n’a cessé de peindre. « Bien qu’il se soit fait connaître surtout par l’originalité de ses gravures et par ses inventions techniques dans ce domaine, Fiorini appartient au même petit groupe de peintres [Louis Nallard, Maria Manton et Marcel Bouqueton] avec lesquels il présente d’évidentes affinités, tant par l’animation décidée de sa matière picturale que par le fondement terrestre de son inspiration; jusqu’ici la disposition spatiale de ses « paysages » est restée décrite avec une grande fidélité à l’impression reçue du réel, dont la transfiguration picturale est pourtant accomplie par l’anéantissement du détail dans l’unité plastique de la composition », écrit ainsi Roger Van Gindertael. Écrits de Fiorini et entretiens · Roger Van Gindertael, Une nouvelle technique de la gravure sur bois, proposée par Fiorini, dans Actualité Artistique Internationale, Paris, 6 juin 1953 · Un Herbier des dunes, Galerie Jeanne Bucher, Paris, 1964 · [Gravure en taille-douce sur bois, linoleum ou plâtre], dans Fiorini, University of Kentucky art gallery, [exposition rétrospective], 1965. · Hommage à Bissière, La jeune gravure contemporaine, 1965-1966 · Fiorini, dans Techniques traditionnelles et contemporaines de la gravure en creux, Musée d’art moderne de la ville de Paris, 1967 · Plaques de cheminée Zodiaque de Fiorini, Fonderies de Cousances-les-Forges Collections publiques France · Dijon, Musée des Beaux-Arts de Dijon · Limoges, Musée des beaux-arts de Limoges · Nantes, Musée des beaux-arts de Nantes o Composition, eau-forte, 43,5 × 29,5 cm (hors marge), tirage 50/50, n° inventaire 978.7.31.E o Salines, 1961, linogravure en taille douce, 33,5 × 55,4 cm (hors marge), tirage 55/129; n° inventaire SEM 738 o Eau-forte, 51,5 × 37,7 cm (hors marge), tirage 72/100, non inventorié o Automne en forêt, 1964, gypsographie en taille douce, 54 × 35,4 cm (hors marge), tirage 40/50, n° inventaire SEM 739 · Paris, Bibliothèque nationale de France · Paris, Centre national des arts plastiques o Le Déjeuner, 1952, bois gravé en taille douce, n° inventaire FNAC 25713, en dépôt depuis 1966 au Ministère des affaires étrangères (Paris) o Le Pot noir, 1952, aquatinte, n° inventaire FNAC 26176 (1) o Paysage sombre, 1960, huile sur toile,65 × 100 cm, n° inventaire FNAC 28450, en dépôt depuis 1995 à l’ambassade de France de Port of Spain o Paysage, 1963, 40 × 80 cm, n° inventaire FNAC 28669, en dépôt depuis 1968 à l’ambassade de France à Beyrouth o Les Chardons, 1964, gypsographie en taille douce, n° inventaire FNAC 28451 o Automne en forêt, 1964, gypsographie en taille douce, n° inventaire FNAC 28452, en dépôt depuis 1966 à l’ambassade de France à New Delhi o L’Échiquier, 1961, bois gravé en taille douce, n° inventaire FNAC 28453 o La Plage, 1962, linogravure en taille douce, n° inventaire FNAC 28454, en dépôt depuis 1967 à l’Assemblée nationale (Paris) o La Mahouna, 1976, gravure sur bois et héliogravure, n° inventaire FNAC 33781 o Ergal, 1978, huile sur toile, 46,5 × 33 cm, n° inventaire FNAC 33300 · Paris, Chalcographie du Louvre o Chaumes de Cordeville, d’après Van Gogh, avant 1955, plaque gravée, dépôt du Centre national des arts plastiques, n° inventaire FNAC 24759 · Paris, Fonds municipal d’art contemporain de la Ville de Paris (Ivry-sur-Seine) o Marminiac, 1974, huile sur toile, 53 × 100 cm, n° inventaire AMVP 1640, dépôt depuis 2014 : du Musée d’Art moderne de Paris · Paris, Institut national d’histoire de l’art o Le Déjeuner noir, 1952, bois gravé en taille douce o Verdure, 1959, linogravure en taille douce o Un Herbier des dunes, poème de Jean Lescure, gravures de Fiorini, cuivre et linoléum en taille douce, 20 planches double page, 41,5 × 56 cm, Éditions Jeanne Bucher, Paris, 1963 o Composition, 1969 o Petite fleur de palissade, 1975, bois gravé en taille-douce, o Le Parfum des closes passées, 1977, aquatinte, bois en taille douce et gypsographie · Paris, Musée d’Art moderne de Paris o Paysage du Lot, 1958, aquatinte, n° inventaire AME 259 o Les Salines, 1961, linogravure en taille douce, n° inventaire AME 260 o Sur la lande, 1965, gypsographie en taille douce, n° inventaire AME 261 o Le Viol, 1968, gravure sur bois, n° inventaire AME 908 o Le Combat, vers 1974, gravure sur bois, n° inventaire AME 1025 o Marminiac, 1974, huile sur toile, 53 × 100 cm, n° inventaire AMVP 1640, en dépôt depuis 2014 au Fonds municipal d’art contemporain de la Ville de Paris (Ivry-sur-Seine o Le Varan, 1965, gypsographie en taille douce, n° inventaire AME 262 · Rouen, Bibliothèques de Rouen · Sèvres, Sèvres – Manufacture et Musée nationaux o Décor pour un panneau de 108 carreaux, avant 1966, dépôt du Centre national des arts plastiques depuis 1966, n° inventaire FNAC 2018-0218 o Décor de 8 vases, avant 1966, dépôt du Centre national des arts plastiques depuis 1966, n° inventaire FNAC 2018-0219 o Service à café, céramique, avant 1967, dépôt du Centre national des arts plastiques depuis 1967, n° inventaire FNAC 2018-0226 o Trois vases cylindriques, céramique, avant 1967, dépôt du Centre national des arts plastiques depuis 1967, n° inventaire FNAC 2018-0227 o Trois vases Mayodon, céramique, avant 1967, dépôt du Centre national des arts plastiques depuis 1967, n° inventaire FNAC 2018-0228 o Trois vases Gauvenet, céramique, avant 1967, dépôt du Centre national des arts plastiques depuis 1967, n° inventaire FNAC 2018-0229 o Service de table, céramique, avant 1967, dépôt du Centre national des arts plastiques depuis 1967, n° inventaire FNAC 019-0190 · Tergnier, Artothèque de l’Aisne o Composition, 1969, gypsographie en taille douce (annoté « Épreuve pour le musée de Soissons », n° inventaire D.09.8.1 · Villeneuve-sur-Lot, Musée de Gajac o La Pêche aux crabes, 1970, bois gravé en taille douce, 190 × 290 cm · Vitry-sur-Seine, Musée d’Art contemporain du Val-de-Marne Brésil · Musée d’Art contemporain de l’université de São Paulo o Port-Pêcheur bleu-rouge, 1952, bois gravé en taille douce, 66 cm x 50 cm, n° inventaire 1963.3.133 o Une Rose de Vérone, 1952, bois gravé en taille douce, 49,5 × 35,5 cm, n° inventaire 1963.3.128 o Le Pot noir, 1952, aquatinte en couleurs, 49,5 × 35,3 cm, n° inventaire 1963.3.129 o Simone et le chat, 1952, bois gravé en taille douce, 63 × 48 cm, n° inventaire 1963.3.130 o Le Déjeuner noir, 1952, bois gravé en taille douce, 52 × 38 cm, n° inventaire 1963.3.131 o Les Musiciens, 1951, aquatinte, 26 × 20 cm, n° inventaire 1963.3.132 o Port-Pêcheur bleu-rouge, 1952, bois gravé en taille douce, 2 planches couleur, 49 × 35 cm, n° inventaire 1963.3.133 Canada · Musée national des beaux-arts du Québec, Québec o Verdure, 1959, linogravure en taille douce, hors marge 43,1 × 30,2 cm, n° d’inventaire 1987.71 o La Plage, 1962, linogravure en taille douce, hors marge 38,8 × 49,9 cm, n° d’inventaire 1965.73 · Musée des beaux-arts du Canada, Ottawa o La Fenêtre, 1960, linogravure en taille douce, hors marge 50,3 × 37,7 cm, n° d’acquisition 9958 o D’après Roger Bissière, vers 1955, eau-forte, hors marge 50,5 × 25 cm, n° d’inventaire 1962.159 États-Unis · Art Institute of Chicago · Detroit Institute of Arts · Rahr-West Art Museum, Manitowoc : Construction féminine , 1048, 29 × 20 cm · Mildred Lane Kemper Museum, Université Washington de Saint-Louis Finlande · Kiasma, Helsinki Nouvelle-Zélande · Musée d’Art d’Auckland o Simone et le chat, 1952, bois gravé en taille douce, 63 × 48 cm o Salines, 1961, linogravure en taille douce, 33,5 × 55,4 cm (hors marge) Pays-Bas · Rijksmuseum Amsterdam Slovénie · International Centre of Graphic Arts, Ljubljana, Slovénie o Composition I, 1956, 55,5 × 45,5 cm, n° inventaire 1912/1989 o Paysage du Lot, 1958, 50 × 66 cm, n° inventaire 329/1989 o Varech, 1960, 50 × 65 cm, n° inventaire 4514/1989 o Bretagne, 1961, 50 × 62 cm, n° inventaire 2083/1989 o Le Buveur, 1961, 65 × 50 cm, n° inventaire 1853/1989 o Île de Ré, 1961, 50 × 65 cm, n° inventaire 1752/1989 o Poissons, 1961, 50 × 65 cm, n° inventaire 4512/1989 o Carte de vœux, 1961, 21 × 19 cm, n° inventaire 4511/1989 o Les Salines, 1962, 56 × 76 cm, n° inventaire 327/1989 Suède Moderna Museet, Stockholm, Suède Payment Methods: PayPal, Credit Card (Visa, Master Card), Bank Cheque. 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